L’œil et la forêt

Urformen der Kunst. Wundergarten der Natur

Karl Blossfeldt

Karl Blossfeldt (1865–1932) war ein deutscher Bildhauer, Amateurfotograf und Professor an der Unterrichtsanstalt des Kunstgewerbemuseums Berlin. Diese Pflanzenaufnahmen, die die Fotografiegeschichte prägten, entstanden als Lehrmaterial für Kunsthandwerker und Architekten zwischen den 1890er und 1930er Jahren. Gleichbleibend in ihrer Technik und minimalen Ästhetik, bilden sie die Gestalt der Dinge ab, die Struktur der Natur und ihren organischen Aufbau. Nicht zufällig finden sich in den Details der Pflanzen Ähnlichkeiten mit kunstgewerblichen Ornamenten: Gedacht waren sie als didaktischer Formenkatalog und Musterbuch – sie wurden jedoch rasch, nach einer ersten Veröffentlichung 1928, zu einem Manifest der Neuen Sachlichkeit in der Fotografie, die eine nüchterne Bildsprache vertrat, in der die Abbildung von Form und Struktur im Vordergrund standen.

In ihrer Vergrößerung werden die Pflanzen hier zu skulpturalen und grafischen Objekten mit faszinierender Schönheit, wobei die Grenzen zwischen Natur und Kunst verwischen. Die detaillierten Ansichten von zum Beispiel Ahorn, Rosskastanie, Fichte oder Farnen ermöglichen, losgelöst von ihrem natürlichen Umfeld, einen neuen Blick auf bekannte Elemente des Waldes.

Arbres inédits d’Atget

Sylvie Aubenas et de Guillaume Le Gall

Eugène Atget (1857–1927) est l’un des premiers photographes français, connu principalement pour ses photographies de Paris autour de 1900. Il photographiait de façon exhaustive des monuments et arrondissements avec une approche méthodique et une esthétique documentaire, à contre-courant du mouvement pictorialiste en vogue à ce moment. Ces clichés trouvaient leur clientèle dans les bibliothèques et musées de la capitale française. La plus célèbre de ses séries restera une documentation des vitrines de boutiques parisiennes.    

La présente série des arbres, 39 planches redécouvertes dans les archives de la Bibliothèque nationale de Paris, fait partie des « études d’après nature » qu’Atget photographie au début de sa carrière à l’intention des peintres : ces études d’arbres du parc de Saint-Cloud étaient censées servir comme modèles picturaux et documentation pour les artistes. Ces images ne fournissent donc pas d’informations sur le parc en tant que tel, mais montrent des racines, des troncs ou des formations d’arbres ordonnées plus larges. Au-delà de leur caractère documentaire utilitaire qu’elles possédaient à l’époque, la beauté propre de ces images avait déjà été appréciée par des artistes comme Man Ray.

En individualisant les arbres, Atget crée une nouvelle représentation du paysage. Ainsi, ces images témoignent aujourd’hui d’un regard bien spécifique avec des qualités graphiques sur un motif archaïque de l’histoire de l’art.

LS / S

Beate Gütschow

Beate Gütschow (*1970) setzt sich in ihrem zeitgenössischen Werk mit der Konstruktion der Wirklichkeit auseinander und untersucht dabei das Verhältnis zwischen der Realität und ihrer Abbildung im fotografischen Bild. In der Serie LS (steht für Landschaft – S für Stadt) hinterfragt die Künstlerin die idealisierte Darstellung natürlicher Landschaften, basierend auf der romantischen Landschaftsmalerei des 17. und 18. Jahrhunderts.

Gütschow greift auf analoge Fotografien zurück, die in Wäldern und Parks entstanden sind, und setzt sie mithilfe digitaler Technologien zu neuen Bildern zusammen, die sie sorgfältig komponiert und so an Malereien von John Constable oder Claude Lorrain erinnern. Zum einen ist dies eine Hommage, zum anderen heben diese Bilder die kalkulierte Künstlichkeit des romantischen Idylls hervor und machen sie sichtbar.

Die so entstandenen Tableaus stellen unsere Sehgewohnheiten und gängige Konventionen in Darstellungen in Frage. Ihre Zusammensetzung ist nicht auf den ersten Blick sichtbar, doch sind sie zu schön, um wahr zu sein: Das Grün ist zu satt, das Licht zu harmonisch, die Zeit steht auf besondere Weise still. Die Natur wird zur Konstruktion, das Tatsächliche wirkt verfremdet und hyper-real.

Im Kontrast zu LS, spielt auch die zweite, im Buch enthaltene Serie S mit Konventionen, in diesem Fall mit denen der Dokumentarfotografie. Zusätzlich zu den Werkgruppen, gibt das Buch Einblick in künstlerische Prozesse durch ein Gespräch (in englischer Sprache) mit Beate Gütschow.

Yosemite and the High Sierra

Ansel Adams

Ansel Adams (1902–1984) was an American photographer and influential figure in the history of photography, best known for his iconic landscape photographs, especially of the American West. He was also a life-long advocate for wilderness preservation – his photographs served as a tool for raising awareness of environmental issues and helped to expand the National Park areas.  

During his lifetime and professional career, he often returned to Yosemite National Park and the Sierra Mountains: “Since June 1916 the Sierra has dominated my mind, art and spirit.” The images in this book range from 1927 to 1962 and are accompanied by his own writings, giving insight into his relationship with and photographic approach to nature, as well as by an introduction to his artistic career by John Szwarkowski, Director of Photography at the Museum of Modern Art (MoMA) from 1962 to 1991.

Empty of any human reference, expansive views from a high viewpoint alternate with perspectives down to earth in the woods, along rivers and rock faces. While the first convey a sense of grandeur and the idea of an immutable natural authenticity, the second allow for transience and evolution along nature’s cycles, bringing to the fore here and there aesthetic similarities between the trunk of a tree and its bark and the surface of a rock. 

Sacred Wood

Bae Bien-U

In Korean culture, pine trees have a spiritual significance, seen as symbols of longevity and resilience, and are a popular theme in literature and the visual arts. Staying green throughout the year, the tree stands for strength and accompanies the lives of Korean people from birth to death within dedicated rituals. Focusing on pines and pine groves over decades, the South Korean photographer Bae Bien-U (*1950) has forged his own aesthetic vocabulary within landscape photography – this book includes a selection of pictures of the pinewood surrounding the Silla dynasty burial mounds in Gyeongju, spanning from 1985 to 2007.

Photographing these same mounds over and over again, circling the woods from different angles, the pictures become a witness to a ritual, trying to approach the sense of the place. Simple in their visual structure, the photographs depict the forest in a painterly, almost calligraphic style, unfolding meditative qualities. Showing parts of trees mostly in groups in the twilight, our vision seems limited. There is no elevated point of view; instead, the thicket restrains our gaze, evoking something mythical and conveying the weight of a cultural tradition.

The book includes texts by Wonkyung Byun and Thomas Wagner that provide cultural context and interpretation. 

Escape

Danila Tkachenko

„I was traveling in search for people who have decided to escape from social life and live all alone in the wild nature, far away from any villages, towns or other people. The main characters of my project violate social standards for different reasons. By a complete withdrawal from society they go to live alone in the wild nature, gradually dissolving in it and losing their social identity.”  

Danila Tkachenko is a Russian documentary photographer, born in 1989. His series Escape won a World Press Photo first prize in the category “staged portraits” in 2014. The pictures of dense forests alternate with powerful portraits of men and their individual dwellings. They tell the stories of those who seek refuge in the woods from modern life, who made a conscious choice for living by the laws of nature, in self-sufficiency and isolation.

The concept of freedom, its limits and its questioning serves as a cornerstone for this photographic exploration. The men living at the edge of society are challenging our social norms and the question of whether true freedom is at all reachable arises and equally reflects on our contemporary society. 

Une promenade dans la Haard

Maxime Derian

Le webdocumentaire de Maxime Derian se présente comme une vidéo interactive dans laquelle se déploie l’histoire de la réserve naturelle Haard, aujourd’hui classée UNESCO Biosphère, dans le sud du Luxembourg. Produit dans le cadre d’un projet porté par la capitale culturelle Esch 2022 (Minett Stories), le document, composé d’images d’archives et d’enregistrements actuels, nous montre comment le paysage naturel que nous connaissons aujourd’hui est le résultat de profondes transformations successives des deux derniers siècles.

La promenade virtuelle est accompagnée par un texte qui raconte l’histoire du bassin minier, de l’évolution de l’exploitation intensive des mines, l’influence de l’industrie sur le paysage (jusqu’à un « paysage lunaire ») des années 1870 jusqu’à la fermeture du dernier site en 1972. Réserve naturelle depuis 1994 et portant des traces de son passé industriel, un chapitre est aussi dédié à la nature dans la Haard, à sa faune et à sa flore, qui ont reconquis le site et qui restent aujourd’hui des témoins discrets de son passé industriel et d’un profond changement structurel.

Le Temps des Forêts

Réalisateur François-Xavier Drouet

Le temps des forêts est un voyage à travers la sylviculture moderne en France, marquée par l’industrialisation et les logiques du monde financier, entre industrie et écosystème.

En traversant différentes régions, telles que le Limousin, les Vosges ou la Bourgogne, le film nous présente des stratégies de gestion forestière industrielles et alternatives. Ici, le problème n’est pas la déforestation, mais la « malforestation » dit un des protagonistes au début. Nous voyons ainsi comment les monocultures suivent des modèles prévisibles de l’agriculture intensive : cycles courts de plantation et coupe rase qui amènent l’utilisation de machines lourdes, de pesticides et d’engrais dans la forêt qui n’est plus qu’un « producteur » de bois. Une conséquence naturelle d’un système dans lequel la rentabilité prime sur le sens écologique, humain et social. François-Xavier Drouet nous introduit également aux modèles de gestion alternative, aux forêts diversifiées à qui on donne le temps de se regénérer et qui conservent ainsi leur rôle d’écosystème.

À travers une déconstruction de l’image de la forêt authentique, ce documentaire constitue un plaidoyer calme pour la diversité naturelle, qui nous dicte ses lois si l’on veut la préserver, non l’inverse. Via une photographie à l’esthétique soignée, la nature et ses interlocuteurs qui travaillent la terre sont mis en relation, sans moralisation insistante, mais avec une conclusion évidente.

Die rote Linie. Widerstand im Hambacher Forst

Regie Karin de Miguel Wessendorf

Diese Langzeitdokumentation erzählt chronologisch den Protest für den Erhalt des Hambacher Forstes im rheinischen Braunkohlerevier durch die Linse von Einzelschicksalen zwischen 2015 und 2018. So folgen wir zum Beispiel einem Aktivisten, der im Wald als einer der ersten in einem Baumhaus lebt, um die Rodung des Waldes zu verhindern; einem Naturführer, der Gruppen für die ökologische Bedeutung dieses Forstes sensibilisiert; einem der letzten Einwohner von Immerath, der die Bagger als „Heimatfresser“ bezeichnet, oder einer Bürgerrechtlerin, die sich gegen die Zerstörung des Lebensraums und der Natur- und Kulturlandschaften einsetzt.

Der Film nimmt bewusst die Perspektive der Protestler ein, die sich gegen den Braunkohleabbau des Energieriesen RWE stellen, und zeigt durch einen Wechsel aus Nachrichtenarchiven und den aktuellen Geschehnissen vor Ort die Entwicklung des Widerstands und seine Folgen. Dabei nimmt er Themen der Zeit wie Klimawandel, Strukturwandel, Energiepolitik und die Rolle des zivilen Ungehorsams in den Fokus.

Ohne Off-Kommentar oder Experten-Interviews, setzt der Film auf die persönliche Perspektive seiner ausgewählten Protagonisten, die über das Individuelle Gültigkeit haben. Mitunter führt dies zu einigen redundanten Längen im Film, dennoch kann man ihn als wichtiges Zeitdokument sehen, das aktuelle Fragen stellt zu Heimat und Zukunft, Energiewende und Konsum, zu wirtschaftlich-politischen Interessen und zur Macht des Einzelnen und des friedlichen Widerstands.

Le chant de la fleur : un chant ancestral sauvera-t-il l’Amazonie ?

Réalisateurs Jacques Dochamps et José Gualinga

Le chant de la fleur raconte la lutte du peuple indigène des Kichwa de Sarayaku, vivant au cœur de l’Amazonie équatorienne, contre l’industrie pétrolière internationale. Cette collectivité de 1 200 habitants gère environ 135 000 hectares de territoires ancestraux, suivant un mode de vie traditionnel dépendant des ressources de la forêt tropicale.  

Depuis le début des années 1970, ils résistent aux tentatives d’intrusion des compagnies pétrolières qui se sont rapprochées à moins de 35 km de leurs territoires par des invasions forcées. Des témoignages de différentes générations nous font comprendre l’influence néfaste de l’extraction de pétrole dans ses dimensions humaines et écologiques.  

Ce documentaire, qui donne la parole aux indigènes (il a été co-réalisé par José Gualinga, le président des Kichwa), met en lumière l’engagement du peuple autochtone pour défendre ses terres et réclamer un territoire libre de contamination. Le film nous fait suivre leurs efforts sur différents fronts, de la Commission interaméricaine des droits de l’homme (CIDH), aux initiatives de sensibilisation jusqu’à la construction d’une « frontière de vie », inspirée par le Chant de la fleur ancestral et signe de leur résistance pacifique.

Apocalypse Now

Regie Francis Ford Coppola; Drehbuch John Milius und Francis Ford Coppola

Apocalypse Now gilt als ein verstörendes Meisterwerk der Filmgeschichte, in dem verschiedene Facetten des Wahnsinns das Grauen und die Sinnlosigkeit des Krieges wiedergeben. Die Handlung spielt während des Vietnamkrieges: Captain Benjamin Willard (Martin Sheen) erhält die Anweisung, den abtrünnigen Colonel Kurtz (Marlon Brando), der im Dschungel sein eigenes Willkürregime errichtet hat, zu liquidieren. Der Auftrag führt ihn zu einer Reise ins Innere des Landes, des Urwaldes, des Konfliktes und offenbart dabei die menschlichen Abgründe und die militärische Doppelmoral, die der Krieg zutage fördert.

Beklemmend sticht der Film heraus durch die Wucht der Musik und seine visuelle Kraft, die ins Surreale abrutscht. Rationale Elemente lösen sich Schritt für Schritt auf und machen Platz für das dunkle Chaos. Der Dschungel wird hierbei zum zentralen Motiv – als Kulisse und metaphorisches Element: Er ist der wilde, archaische Ort, wo sich Zivilisation auflöst und der Mensch die Kontrolle verliert, wo die Grenzen zwischen Realität und Wahnsinn, Gut und Böse verschwimmen.  

1979 erhielt der Film die Goldene Palme in Cannes. Es folgten zwei Oscars (beste Kamera und bester Ton) sowie drei Golden Globes (bester Regisseur, bester Nebendarsteller und beste Filmmusik).

2001 erschien Apocalypse Now Redux mit 50 Minuten zusätzlichen Szenen – 2019 veröffentlichte Coppola seine „Final Cut“-Version.

Hintergründe und Analysen: In unserer Datenbank a-z.lu finden Sie zahlreiche Artikel zum Film, die online zugänglich sind.

Into the Wild

Directed by Sean Penn, based on the book by Jon Krakauer

Based on a true story and book by Jon Krakauer, the film follows the two-year-journey of Christopher McCandless to Alaska. Driven by the wish to escape the theatre of bourgeois life and a predetermined path of career, social constraints and false securities, the protagonist sets out on a search for the truth of (his) existence that goes beyond rebellion. We follow him on an emancipatory path from the control of civilization to an exploration of the ideals of freedom and happiness.   

The “great adventure”, as he calls it, leads Chris to the wilderness of Alaska, embodying the fascination with a romanticized vision of a self-determined life in and with nature, which becomes the testing ground for his internal struggles. As sanctuary and danger, nature proves a raw and unforgiving place, where his ideals clash with harsh realities.

These scenes contrast and alternate with the evolution of his voyage in a narrative that switches between different geographical zones and time layers. In five chapters, the film looks at different models of society and community, the role of human relationships and forgiveness, and probes the idea of absolute freedom – life versus reason – and the inevitability of failure. The question of what man needs is negotiated against the backdrop of majestic landscapes that remind us of the tradition of American landscape photography.